虽受疫情所困，
在中国仍然有一群年轻的艺术家，
从未停止他们创作的脚步，
用多元的艺术形式抚慰着人心。
 

郭宇剑个展
郭宇剑 © Mine FM Studio“请回答”
 

90后艺术家郭宇剑，
湖南长沙人，
曾就读于意大利佛罗伦萨美术学院油画系，
该校是世界第一所美术学院，
创建于1339年。
他喜欢将西方神话和寓言中的人物，
融入朦胧的梦幻世界中。
 

陈维《在浪里#5》2013
陈维在展览现场
 

陈维，1980年生于浙江，
影像装置艺术家，
2008年起定居北京创作生活。
他最出名的两个系列“新城”与“俱乐部”，
前者探索都市人的真实生活处境，
后者捕捉城市快速更新中的冲突瞬间，
创作方式则是他在工作室或摄影棚精心制景、拍摄，
最终的影像“以假为真”。
王郁洋部分作品
 

 

王郁洋
出生于1979年的王郁洋，
是国内最早以科技介入创作的艺术家之一，
这个四月，他代表中国参展威尼斯双年展。
疫情期间，一条与这些年轻艺术家聊了聊
他们创作背后的故事。
撰文 | 陈薇沁 责编 | 陈子文
 

创作中的郭宇剑
 

《夜色温柔之六青骑士与狮子》2021
 

今年2月，南京宝龙艺术中心迎来了郭宇剑的第4次个展，展出自疫情以来的近30幅创作，其中有数幅是他首次公开的新作。
艺术家刘广隶曾评价他的画：“简洁且富有重复性的形象，具有古典气息的肉身。”
 

展览现场
《溪午不闻钟》2022
 

“一个没有风的地方”，展出了艺术家自疫情以来的32件作品，包括首次公开展出的全新绘画和雕塑。其中有部分作品，是郭宇剑首次尝试在木板上作画。
在观感上，木板油画和布面油画的区别不太大，但“画的时候，会有一些很微妙的差别，这种微妙的差别，我是很在意的”，郭宇剑这样告诉我们。
展览现场
 

 

郭宇剑使用了长卷式的横构图，来创作《一个没有风的地方》。他喜欢中国古代绘画中的长卷式构图，“它是有个固定的观看方式的，从右往左，包括它的那种构图，还有人物的安放位置”。
 

《一个没有风的地方》2022
作品的名字取自笛卡尔的三个梦。
据说1619年11月10号那天夜晚，笛卡尔做了3个梦。第一个梦，他发现自己在旋风里蹒跚；第二个梦，他的周围布满萤火般的亮光；第三个梦，他身处一个没有风的房间，他随手翻开桌上的一本书，上面用一行拉丁文字写着“我该选择哪种生活”。
“在疫情下，大家都比较没有安全感，不知道该怎么办，处在一个很大迷雾的状态下。‘一个没有风的地方’，反而会给人一种安心感”。
《一只克里特岛的狗》2020
 

《谁知盘中餐之一》2020
 

郭宇剑1992年出生，长沙人，从小生活在月湖与浏阳河畔附近，习惯了与水相伴的日子，“一出门就会碰见水”。
长沙是南方城市，多雨潮湿。他将这些“潮湿”的记忆，融进了创作中，“一下雨就会是那种雾气朦胧的感觉”。
 

《密林深处之三》2018
 

《尔有窥乎之十》2018
20岁，他考入意大利佛罗伦萨美术学院油画系。该校是世界第一所美术学院，始建于1339年。
佛罗伦萨是意大利文艺复兴的发源地，因为想理清楚古典艺术的脉络，他选择在这座城市留学。
 

《人间烟火之二》2018
 

《令我忘餐》2018
2016年回国后，他在北京短暂待过一段时间。辗转一圈，郭宇剑决定忠于自己的性情，远离大城市，回到长沙，“我比较喜欢自己待着”。
2017年-2019年创作的“人间烟火”系列，是一个郭宇剑的早期创作尝试。
 

郭宇剑创作手稿局部
自从留学毕业回到长沙后，很多人经常向他询问同一个问题——为什么作品中人物形象，都是欧洲人的模样？ 这让郭宇剑感觉很困惑：“至少在我看来，这就不是我会着重去想的事情。”
 

左：《尔有窥乎之五》2018
右：《尔有窥乎之六》2018
他对中国古典也同样热爱。2018年创作的“尔有窥乎”系列，灵感就出自三国时期的《洛神赋》。画面上方的拱顶元素，用来突出每幅画相对应的诗文，使之既可连续成一组叙事，也可独立成一个小剧场。
 

《最后的晚餐之后》2019
 

郭宇剑工作室
他有不少系列作品，都是从文学经典中延伸而来的。
略带忧郁的西方文学非常吸引他，尤其是作家马赛尔·普鲁斯特的作品，“普鲁斯特这种美学对我影响非常大，他的《追忆似水年华》，你不一定要从头读到尾，从中拿出任何一段话，都能够独立的成为一个作品” 。
 

《梦里有蕉鹿之一》，2022
内心多愁善感的郭宇剑，常常会陷入焦虑。
“太容易焦虑了。现在很多事情都可以让人焦虑，但我不会因为焦虑而影响自己的工作节奏或者生活节奏。画画的时候，我会把这种焦虑给过滤掉，或者说是消化掉。”
 

《屏风前的椅子》，2021
对于未来的创作，郭宇剑想按目前的脉络继续实践，“至于它会呈现出一个什么样新的面貌，我自己也不太确定。”
 

 

“Make me illusory” 西岸美术馆展览现场
摄影：Alessandro Wang
 

“旧事如新”（2022）新加坡大田秀则画廊展览现场
2021年-2022年，陈维接连办了三场个展，新作《点亮我》《协奏曲/ 弹幕》《布洛克球》中，他继续以敏锐的视角，重现疫情后的生活体验，把舞台感的装置搬进美术馆展厅，交流、隔断和虚拟现实的主题，重复出现。
上海西岸美术馆的0号展厅，一个很标准的“白盒子”空间，被陈维进行了这样的布置：闪烁的电子屏幕悬在墙上，马卡龙色彩的布洛克球散落一地，半截门框立在半当中，虚无缥缈的蓝天布景，如梦似幻。
一切都是假的，但又以假为真。
 

 

摄影：Alessandro Wang
这次在西岸的新展上，他还把摄影作品“新城”的某个置景，实地搬到了展厅。
在大城市，日常难免会遇见许多的隔断，打断了正在进行中的活动，例如维修的马路上放出来的警示牌，步行街上为防止车辆驶过的石墩子，这些设置有临时性的，也有长期的。
这就是这些五颜六色的球，最初的灵感。
而疫情发生后，更多戏剧化的成分，比如“生活被阻断”的隐喻，被添加到这个作品的解读中。陈维感慨，“是观众给了这件作品很大的注脚。”
 

 

新作《点亮我》
创作《点亮我》的时候，他借用了时下网络世界里流行的gif形式，做出来后意识到，这也是另一层面的“自画像”。
画面中，人一动不动地坐在那里，而唯一的变化是人物被电子设备照亮的面部。
“做这件作品像照镜子。我当时就是那样，在沙发上一躺，每天手机都能用到发烫。”陈维跟我们回忆起2年前，疫情刚大规模爆发那会儿，自己突然无所事事的迷茫，“其实那时候大家都很手足无措的，有点绝望。”
 

 

《点亮我》
对电子设备的过分依赖，成为了思考与创作的切入点，“手机一旦消失，内心瞬间涌来万般焦虑，是不是在一些东西面前，人类好像无能为力……”
 

陈维
图片致谢Dazed China，摄影：王阳
1980年，陈维在浙江小镇出生，一直在杭州生活到28岁。2008年，也许是受到了一波奥运带动的北上热潮，他和很多南方艺术家一样，来到北京谋求发展。
这次搬迁，也让他的视野从向内转向外。尤其是奥运热潮下，城市更新速度迅猛，他由此开始了一个新的系列，取名“新城”。
他独创了一种拍摄方式：捕捉与定格城市发展中的冲突一角，通过在工作室或摄影棚置景并拍摄，创作亦真亦幻的影像装置。
 

陈维《康复之屋》2008
2004年的第五届上海双年展“影像生存”是他人生重要的转折点。当时国内的当代艺术展览不算多，更不用说影像相关的展览，为此他专程赶到上海来看展。
“我突然间觉得世界变得好大，好像什么都可以做，然后你就会有非常强的求知欲，会很想看更多的不同艺术家的作品。”
他也是幸运的，相对年轻就闯了出来。
 

陈维《蘑菇》2016
 

陈维《粉色の球》2021
从20多岁到40岁，他自认创作和成长速度“正常”，稳定产出新作。一般动手做一件装置是一到两个月的功夫，但是思考的时间则更漫长些。他甚至能做到好几个系列同时做。
 

陈维工作室里的猫咪
回看20多岁时，陈维说自己有些叛逆，看什么都不觉得满意，但也并不觉得哪里不好。
现在的状态，相对规整得多，每天差不多8点钟起床，早晨的这段时间，就留给自己在家中喝杯咖啡，听音乐，读书，或看球赛。
 

陈维《新站》2020
“艺术家其实什么都不能做，非常没用，但唯一能做的，大概就是有另外一个角度让你去看得见，也许也可以这样去打动人……”
 

 

 

上：威尼斯随处可见的双年展海报
下：刚刚揭幕的第59届威尼斯双年展展览现场
图源：la biennale
 

中国国家馆展览现场，花园展区
作品《雪人》
4月20日，水城威尼斯久违地因为艺术而沸腾。
在第59届威尼斯双年展的预展现场，军械库外的花园展区内，灼灼的春日暖阳洒在一件金属雕塑上，这是属于本次中国国家馆“元境”的室外展区，雕塑的创作者便是王郁洋。
 

 

“LUNA”展览现场，MDC北京
同时，在北京的MDC画廊空间，王郁洋的全新个展“LUNA”（月球）正在进行中。展厅被布置成全黑色背景，8幅彩色的月球绘画，带领观众开启一段“似真似幻的探月之旅”。
出生于1979年的王郁洋，是国内最早一批以科技介入创作的艺术家之一，编程、算法生成艺术......自2007年，他都一一尝试、实践到现在。“艺术的价值在于突破常规认知。”
“月球”系列绘画，最早从2012年开始，延续了王郁洋一贯的跨学科创作方式。
 

《The Moon 20181110》2019
 

“月球”系列创作过程
截取自《A New Energy in Chinese Art》导演: Fabien Pacory
创作过程中，他需要戴上自制的数字眼镜。眼镜内置摄像头，他眼前的一切事物都变成黑白色。他手握调色板，只能通过黑白色调的深浅来选择颜色，以此描绘记忆中的黑灰色月球表面。摘下眼镜，月球就变成了彩色。
最初开始创作这一系列时，设备条件有限，眼镜又大又沉，清晰度也不高，画上一会就让他感到头晕目眩。当时，他这样画了两幅就暂停了。直到2017年，王郁洋更新了设备，换上像素更高的内置相机，重新开始创作。
 

左：《The Moon 20191002》2019
右：《The Moon 20190219》2019
画面中的背景——月球，都是基于NASA的探月照片，进行再创作的。随着科技进步，探月照片不再仅仅是模糊的远景，细节越来越多。当不加修饰的质地与色彩相遇，令人反思：究竟什么才是真实？
王郁洋告诉我们：“打破对今天所生活世界的既有认知，质疑、反思我们眼中的真实，这是我创作的内核。”
月亮，则是他通往这一内核的重要桥梁之一。
 

王郁洋《再造登月》展览现场 2007年
王郁洋《再造登月》视频静帧截图
 

2007年，王郁洋根据1969年尼尔·阿姆斯特朗登月实况录像，复制了整个过程，并制作成影像。作品展出时，他把自己拍摄的彩色视频与原本的黑白录像对立呈现，相似的画面让观众难以分辨哪一个才是艺术家精心制作的“复制品”。
现场还展出了他为拍摄而做的道具、太空服，比起艺术展，这更像一个航天科技博物馆，引起观众对历史、科技真实性的质疑。
 

《人造月》2007
 

《人造月2》2015 展览现场
同一主题，2007年他做了《人造月》，用冷白光节能灯呈现人类对月亮的想象。
到了2015年，他创作《人造月2》，有了更多色彩。众多白色屏幕构成直径4米的球体，外面包裹着偏振光片，每一个偏光片都在随机算法下旋转，从而折射、反射出不同色彩。新的人造月，仿佛拥有了自主性。
他想借此传达：人类创造的事物已经超脱我们的控制，反过来介入、影响着我们的生活。
 

《雪⼈》雕塑
 

第59届威尼斯双年展中国国家馆展览现场
在这次威尼斯双年展中国馆现场展出的两件作品，也是王郁洋借由科技手段实现的。
他设计编码，让计算机生成作品，自己仅作为制作者，将作品落地成型。借由科技，继续思考人与人造物之间的关系。
 

《人造月2》2015
最初进入这个领域时，他甚至还不太懂编程，“困难当然是有的。但对我来说，这就像打游戏一样，解决问题、积极面对，让我觉得特别愉悦。反倒是没有问题出现时，创作就变得没有意义了。”
[/b]